Participa en la nueva exposición de fotografías tuneadas, intervenidas o intervención con fotografías.

Centro de Estudios del Vídeo y Escudero Ramos Gestión Cultural os invitan a participar en la próxima exposición colectiva que tendrá lugar en la Escuela CEV. Fotografías tuneadas, fotografías intervenidas o intervención de fotografías. Tres modalidades que podréis emplear para presentar vuestra mejor obra y ser seleccionados por el jurado de la Escuela para exponer en la Sala de Exposiciones de CEV.

Os dejamos las bases para que sepáis cómo, cuándo y dónde participar.

Una fotografía tuneada es una fotografía que ha tenido un proceso creativo de postproducción, ya sea digital o manualmente. Puedes recortarla, montarla sobre cualquier material; usa la imaginación... Cualquier elemento puede ser un marco. Se pueden realizar collages, pueden ser pintadas o puedes añadir cualquier elemento sobre la foto (no se permitirán elementos orgánicos que puedan descomponerse). Se trata de ver más allá de una instantánea.

Una fotografía intervenida es aquélla que, mediante procesos analógicos o digitales es tratada, manipulada, para variar el resultado de la instantánea original. Collages digitales o analógicos; procesos en los cuales se trata nada más que la imagen, sin llegar a ser tuneadas con elementos externos a la fotografía.

Hacer una intervención con fotografías es hacer con una fotografía un acto en un lugar público para llamar la atención de la gente. Se fotografiará el proceso de la intervención. Es importante respetar el lugar donde haces la instalación, en muchos lugares está prohibido hacer fotos, centros comerciales, etc. No te juegues la vida, respeta y escucha a las autoridades. Seguro que si explicas para lo que es, no tendrás problema en hacer fotos.

Por ejemplo, pones una fotografía en una columna de una plaza y ves cómo la gente se aproxima para verla. Fotografías del proceso de cómo la cuelgas, cómo se acerca la gente y las caras que ponen, incluso si alguien la arranca o lo que pudiese pasar… Ese proceso se fotografiará y se presentará.

Características:

-Se busca la creatividad, la originalidad en los trabajos.
-La calidad de la obra presentada.
-El “mensaje” que quiere transmitir.
-Las obras no tendrán límite de tamaño.
-Un mismo autor puede presentar tantas piezas como quiera.

Presentación de las obras:

-Todas las fotografías serán presentadas listas para enmarcar, si hubiese alguna obra en tres dimensiones se presentará una fotografía de la misma, tamaño Din A 3, montada sobre Foam, junto a la obra original.
-Además, se entregará una copia de la obra en baja resolución para subir a las redes sociales y a la web del CEV.
-La obra deberá ir firmada y tendrá los datos del autor o colectivo (nombre, teléfono de contacto y mail) y debe incluir categoría fotografía tuneada, fotografía intervenida o intervención con fotografías.
-Todas las obras podrán ser presentadas en el Departamento de Fotografía del CEV en Gaztambide 65, 4ª planta, antes del viernes 23 de mayo hasta las 5 de la tarde.
-Se expondrá una selección de las 30 mejores obras presentadas, elegidas a través de un jurado seleccionado por el CEV.
-El jurado seleccionará las obras para la exposición el lunes 26 de mayo.

Devolución de las obras:

-Los autores tienen el plazo de un mes después de la clausura de la exposición para recoger las obras seleccionas. Las no seleccionadas se podrán recoger a partir del día lectivo siguiente a la inauguración.
-Todos los autores recibirán notificación por correo electrónico de la exposición.

Fechas de la exposición:

La exposición se realizará del 30 de mayo al 30 de junio en el CEV, en la cuarta planta de la calle Gaztambide, 65 en Madrid.
La inauguración será el 30 de mayo a las 8:00 de la tarde.

Reto KeePunto - CEV

Como muchos de vosotros ya sabéis, CEV y KeePunto se han unido para crear el flashmob más divertido de la historia. Registrándote en la plataforma www.keepunto.com podrás participar en la segunda fase del reto: componer la música sobre la letra ganadora que se titulará “música del himno keePunto”.

Nuestros alumnos no han perdido el tiempo y ya están participando, porque además, si eres alumno de la Escuela, al registrarte y poner CEV en la parte de "código promocional", recibirás de regalo 300 kees.

¿A qué esperas para registrarte y participar? Empieza a recibir increíbles premios.

Una de nuestras alumnas de Laboratorio de Imagen de segundo curso, Lucía Buelga, ya ha participado y ha enviado su propuesta para la letra de la canción del flashmob ¡Sigue este enlace y podrás votarla para que su letra sea la elegida!

Línea crítica: Rush (2013), dirigida por Ron Howard

Se nota que al alumno que ejerce la crítica cinematográfica le ha gustado Rush, sobre todo por su dirección, diseño de producción, sonido como compendio del ruido y la furia, y su narrativa visual.



Dos formas de entender la vida, dos formas de entender el deporte, dos formas de entender la Fórmula 1. Rush es uno de los entretenimientos más convincentes con los que me he topado en este año. Dirigida por Ron Howard (Apolo 13, Una mente maravillosa), narra la rivalidad que existió entre dos grandes campeones, el británico James Hunt, y el austríaco Nikki Lauda, durante la temporada automovilística de 1976. Al primero de ellos le da vida un inspiradísimo Chris Hemsworth (Thor), y al segundo, Daniel Brühl, que no pasó desapercibido para las academias y fue nominado al globo de oro como mejor actor secundario. Como digo, dos mundos opuestos pero complementarios. Un espectáculo.

James Hunt es un divertido embaucador que, entre carrera y carrera, no se pierde una fiesta. Vive en el límite, sin pensar en el mañana y conduce de igual modo. Nikki Lauda, por el contrario, es un tipo apocado, metódico hasta la náusea, que deposita su fe en las probabilidades y no en el azar. En cuanto se conocen, surge entre ellos un sentimiento mutuo, mezcla de fascinación, repulsa y envidia. Paradójicamente, el pulso que mantienen les hace evolucionar de la modesta Fórmula 3 a las grandes batallas de la Fórmula 1. Allí se verán las caras durante las dos temporadas siguientes, en las que se repartirán el triunfo. Si el qué ya lo sabemos, pues es historia deportiva reciente, el cómo es para flipar.

El diseño de producción es extraordinario, fiel a la estética del vestuario, peinados, objetos, etc., de los Setenta. Visualmente también nos transporta en el tiempo. Conjuga con acierto los tiempos de aventura (las carreras) con el drama. La química entre los actores, latente. Sentimos la peligrosidad de su relación. También sentimos el vértigo de la velocidad, de la muerte al acecho en cada decisión de los pilotos. El riesgo de las curvas, forma predominante en la narrativa visual. Fondos desenfocados, grandes angulares, una visión túnel de futuro próximo e incierto. Para ver más veces, amiguitos. El sonido, un compendio genial del ruido y la furia. Hay directores que saben dirigir. Y Ron Howard es uno.

Jorge Arellano

Alumno de Cine del CEV

Línea crítica: la comedia Miss Sinclair (2013), salvada por los actores

El alumno que ejerce la crítica cinematográfica del CEV define Miss Sinclair, de Craig Zisk, como el entretenimiento que recomendamos a nuestros amigos para el domingo a la hora de la siesta


 

 

Linda Sinclair (Julianne Moore) imparte clases de literatura en un modesto instituto de Kingston, Pennsylvania. Jason Sherwood (Michael Angarano), un antiguo alumno de ella, su favorito, regresa al pueblo tras fracasar como dramaturgo en Nueva York. Su obra se titula La crisálida. Fascinada con el texto, Miss Sinclair convence al profesor de Arte y a los directores del centro para que la compañía del instituto lo represente, pagando ella los gastos. Entre líneas, Miss Sinclair cree ver al culpable de la frustración de Jason focalizado en la figura del padre (Greg Kinnear), que le obliga a estudiar Derecho.

 

Pero las cosas no son siempre lo que parecen. A veces la fantasía o los deseos reprimidos adulteran o embellecen la realidad a su antojo. Y más si se trata de Miss Sinclair, una mujer madura, soltera, adicta al consuelo de la literatura. Los líos no se hacen esperar. Ella cae bajo el influjo de su propia ensoñación romántica. Se enrolla con su pupilo, que se convierte en un mentor pasajero y comparte su desesperación y sus dudas. El padre resulta no ser el ogro que la obra presenta y la truculenta escena final se convierte en un problema para los dueños del centro, que la consideran demasiado agresiva.

 

Aún con algunos buenos giros dramáticos, la película se convierte en un entretenimiento dulzón de poca categoría. De esos que recomendamos a nuestros amigos 'para el domingo a la hora de la siesta'. Parece un guión autoconsciente, en la medida que evoca gentes corrientes con problemas corrientes. En clave comedia de enredo bastante pobre. Lo mejor, seguramente, las dignísimas interpretaciones de Julianne Moore, Nathan Lane o Greg Kinnear. Lo peor: el poco interés que despiertan los temas elegidos. Mira el tráiler aquí.

 

Jorge Arellano

Alumno de Cine del CEV



Línea Crítica: Futuro y pasado según Mundo Futuro, la segunda parte de Almas de metal

El alumno crítico del CEV no deja clones con cabeza en esta secuela del mundo maligno de un parque de atracciones dirigida por Richard T, Heffron en 1976.

 

 

Charles Browning (Peter Fonda), un polémico reportero, es invitado a pasar unas vacaciones en Delos, el parque temático del futuro, que recrea la Roma Imperial, los viajes al espacio exterior y la Europa medieval. Han pasado algunos años desde los asesinatos perpetrados por robots descontrolados allí. Browning sospecha que detrás de toda la organización del complejo se oculta un misterioso complot. Pese a todos los avances tecnológicos, Delos sigue siendo un lugar de recreo para multimillonarios excéntricos. Algo así como un cruce entre el El club Bildelberg, la feria del Ifema y el Hotel de los líos.

 

A Browning le acompaña otra reportera, arribista y descarada (Blythe Danner). Juntos se cuelan por los laberintos subterráneos del complejo, buscando información. Descubren que, mientras duermen, los científicos crean clones de sus clientes, a partir de su 'información genética y sensorial'. La invasión de los ultracuerpos, pero sin vainas ni esporas. Sorteando a sus perseguidores, incluidos unos ninjas que se materializan en una lavadora gigante, logran sacar a la luz la noticia de que en Delos se gesta un golpe de estado mundial. Un final tan inexpresivo como la cara del propio Fonda, que ni si quiera se toma la molestia de actuar. Ahora entiendo el éxito de Easy Ryder, pues lo único que hace el hijo del brillante actor es conducir su moto. Aparece también Yul Brynner, pero nada más que como reclamo. Amiguitos, para justificar la presencia de su personaje, el vaquero androide, y para que Yul Brynner apareciese en el cartel como reclamo comercial, los guionistas le incluyen ¡en un sueño de la reportera!

 

Bailando al compás de música lenta. Madre mía. Esta película es el ejemplo de lo que no se debe hacer nunca: planos desenfocados, travellings irregulares, cuadros vibrantes, actores y actrices deplorables, diálogos infames y pretenciosos, que solo reflejan la ignorancia supina de quien los escribió, localizaciones cutres e inverosímiles... Delos ya no está situado en el exterior, sino en las cloacas, vaya. La acción se desarrolla en pasillos de hoteles baratos, esquinas de centros comerciales, subniveles de plantas eléctricas, sin dirección artística a la vista. Un vestuario tan precario que me recuerda a cuando te disfrazabas con tus hermanos en casa. Un guion con una idea desaprovechada en favor de la moda psiquedélica, la serie-B, el plagio directo de otras propuestas, etc. Creo que el director, Richard T. Heffron (Testimonio mortal), y los guionistas, George Schenk y Mayo Simón, lo más cerca que estaban de la ciencia visionaria (y de la ficción) en 1976 era delante de una calculadora... Sin raíz cuadrada. Absurdo, patético este producto, comparado con el original de Michael Crichton. Lo único salvable (por rescatar algo) es su acercamiento a los gráficos en 3D. Primarios, toscos, pero al fin y al cabo 3D en el cine. Os dejo con un pedazo de esta.... Secuela:

Fonda en una camilla, entubado, a punto de ser 'descodificado sensorial y genéticamente'. Le esparcen, literalmente, catsup y mostaza por el brazo, a modo de gel futurista, para extraerle sangre. En la sala de control se oyen los 'Bips' y 'Barrips' de los computadores. Un murmullo de 'línea, seguimos para bingo' envuelve la estancia. El mad doctor de la peli, pide lecturas a sus operarios:

 

Operator 1: región pulmonar exterior, dos-cero-siete.

Operator 2: célula de apoyo, cero-cero-cero-tres cuatro-uno ocho-tres seis.

Operator 3: niveles de hemoglobina, menos uno punto siete.

Operator 1: lordosis lumbar exterior de apoyo, eme eme te.

Operator 2: rótula de carbono, pedrégeno y oxígeno, análisis citoplasmático.

Operator 3: ¿Es una broma?...

 

Post Data: Lo es. He mezclado los diálogos a mi gusto. Pero os aseguro que así son mucho mejores.

 

Jorge Arellano

alumno de Cine del CEV



Escuela CEV organiza un seminario sobre el uso de tecnología de sonido Mackie

El 9 de abril de 2014, miércoles, a las 12:00 horas, va a tener lugar en las instalaciones de la Escuela CEV un seminario sobre el uso de equipos de mesas de mezclas, monitores y superficies de control DAW de Mackie. Mackie es el fabricante americano de equipos de sonido conocido por ser la marca del equipamiento de grupos musicales como AC/DC o Linkin Park, entre otros.

El seminario será impartido por Dimitri Meltzeltin, Training Manager EMEA de la comercializadora de Mackie Loud Technologies. Meltzeltin también es Jefe de Formación EMEA en Mackie y expondrá la manera de hacer una producción musical utilizando los prestigiosos controladores e interfaces de Mackie, entre los que se encuentran algunos que se han convertido en elementos esenciales de cualquier estudio.

Se mostrará con ejemplos prácticos cómo grabar y mezclar con el Mackie Control y las mesas Mackie Onyx, mientras se comprueba el sonido con monitores Mackie HR y MR, utilizando el Big Knob. Además, Dimitri Meltzeltin presentará las mesas de mezclas digitales para directo de la serie Mackie DL, que ofrecen una forma intuitiva y efectiva para mezclar en cualquier evento con un iPad o un i Phone.

Los asistentes pueden traer sus dispositivos para probar la aplicación de control. Además se sorteará una mesa digital DL806 y los interesados en cualquier producto obtendrán interesantes facilidades comerciales sólo por asistir.



Línea Crítica: Futuro y pasado según Almas de metal (Westworld), película de 1973

El escritor de best sellers Michael Crichton también ha hecho sus pinitos en la dirección cinematográfica, como nos revela el alumno del CEV que ejerce la crítica cinematográfica en la sección de este blog, Línea crítica.

La revolución de los androides no comienza con Terminator, amiguitos. Hay precedentes. De buena factura. No sé si conocéis Almas de metal (también Westworld), escrita y dirigida por Michael Crichton que, para vuestra información, es el tipo que inventó el Jurassic Park. Por lo visto a este eximio escritor le va el rollo de los parques de atracciones y mejor si todo acaba de forma calamitosa. Si en el Parque Jurásico los dinosaurios se hacían con, o reclamaban el poder, en Westworld los robots que hacen las veces de figurantes en las recreaciones de la Roma Imperial, el Medievo europeo o el Oeste americano tampoco dejan títere con cabeza. Lo que empieza siendo un idílico viaje vacacional  se transforma para un par de amigos, Peter (Richard Benjamin) y John (James Brolin), en una verdadera pugna por la supervivencia contra la inteligencia artificial, cansada de sufrir tantos agravios.

El malo terrible es un robot pendenciero al que prestó rostro y alma Yul Brynner, que en paz descanse. Os aseguro que es el primer modelo del Terminator cameroniano. Implacable en la persecución de su objetivo, acompañado de una sugerente banda sonora, nos hace sentir frágiles e inseguros como seres humanos. La película tuvo un gran impacto social y está bien considerada en los libros sobre la ciencia-ficción en el cine. Se nota un tanto la mano inexperta de su director en la puesta en escena y la dirección de actores, pero son aspectos soslayables a la hora de juzgar Westworld. Es una película fresca en su planteamiento (os recuerdo que se estrenó en 1973). La mezcla entre el futuro y el pasado siempre acarrea ulteriores catástrofes. También creo que subyace la idea de que cada civilización posee ciclos concretos de esplendor y decadencia. Y vuelvo a creer que esta distopía nos habla de que el reinado de los hombres también puede llegar a su fin para acabar sojuzgados por criaturas que ellos mismos diseñaron. La revolución tecnológica de nuestro siglo y el precedente es un hecho. Las consecuencias a largo plazo, imprevisibles. Ocurra lo que ocurra, nuestros descendientes tendrán que afrontarlo. Westworld tuvo además una secuela, Futureworld, de obligado visionado para mí, en breve.

Jorge Arellano

Alumno de Cine del CEV

 



La montaña sagrada

El alumno crítico del CEV se atreve con la película surrealista de 1973 dirigida por Alejandro Jodorowsky.

 

 

Parece un tópico, pero efectivamente hay autores inclasificables, con películas inclasificables. Alejandro Jodorowsky pertenece a este exiguo gremio. Además de director, es también tarotólogo, chamán, psicólogo, mago, dibujante, novelista, poeta, dramaturgo y mimo. Perteneció a los surrealistas y posteriormente, junto a otros destacados artistas, como Fernando Arrabal, creó el Movimiento Pánico. Ha unido sus conocimientos de psicología científica con el esoterismo y fundado una disciplina revolucionaria llamada psicomagia y psicochamanismo. Algún día, seguro, serán objeto de detallado estudio en las universidades, porque funcionan. Yo he sido testigo directo de su eficacia. La película de la que voy a hablar a continuación se titula La Montaña Sagrada, y cuenta un fascinado, visionario, sinuoso, liberador y profundo viaje al centro de uno de mismo. Una película no apta (me incluyo) para conciencias sin un nivel de desarrollo elevado. Con extrañas profecías que el mundo ha cumplido. Con actores no profesionales que completan un viaje tanto físico como mental, al territorio de los Dioses.

 

El dormido ha despertado. Sus pensamientos vacíos son ahora veloces saetas de búsqueda. Contempla con horror la desesperación y crueldad del mundo en el que vive. Chile, 1973, los Escuadrones de la muerte asesinan a gente inocente, el mundo mira hacia otro lado, la corrupción y la avaricia lo dominan todo, el arte, la religión, la política, el sexo. Desengañado del mundo en el que vive y que lo corrompe, nuestro hombrecillo, un vulgar ladrón, decide mirar hacia dentro. Y se encuentra, tentado, en los dominios de su Yo más elevado: Dios. Este le enseña a ser iniciado. El camino que conduce a la sabiduría y la armonía con las demás partes. Pues nuestro Yo son muchos. Le acompaña el sistema solar entero, simbolizado en cada uno de los planetas y su influencia en nosotros. Ahora viajan a pie, de verdad, sobre el suelo, hacia la montaña sagrada. Los obstáculos son ellos mismos, su educación, sus miedos, sus ansias. También lo son los defectos de un terreno peligroso. Superan enemigos interiores y exteriores. Poderosos chamanes salen a su encuentro. Los viajes psicodélicos y el maestro interior (Jodorowsky), su guía. Deben dejar de ser quienes fueron. Incluso lloran por ello. Ya son otros, están preparados para el asalto. Toman la montaña. Sólo hay 'ninots'. Cine dentro del cine.

Amiguitos, este sinsentido que acabo de relatar es la punta mal entendida de un iceberg inofensivo, pleno. Parezco un loco, tratando de contar un chiste sin gracia, o algo así. Pero me he remitido a la pura interpretación intuitiva del film. Es una obra en la misma proporción gloriosa y complicada. Tiene tantos símbolos y extrañezas que se vuelve un ejercicio casi conceptual. Para los más atrevidos y cultos, u ocultos, que de culto es The Holy Mountain, un film de Alejandro Jodorowsky.

Jorge Arellano

Alumno de Cine del CEV